La filosofía de It’s A Living

Ricardo González es un duranguense que persigue su idea de vida entre los murales, la caligrafía y el diseño, con lo que ha logrado destacarse a nivel internacional.

It’s A Living, entendido como “una forma de vida”, es la manera en la que Ricardo González, artista gráfico nacido en Durango, explota el arte entre el graffiti, el diseño, la tipografía y la caligrafía, desde la ciudad de Nueva York, donde actualmente tiene su residencia.

Pero antes de ser reconocido como uno de los muralistas más importantes, Ricardo recordó en entrevista para El Siglo de Durango, cómo empezó todo. “Inicié aquí en Durango haciendo graffiti en la calle, a los 18 años me fui a estudiar a Canadá, donde viví durante cinco años. En ese tiempo se venció mi visa, no tenía currículum, por lo mismo tampoco trabajo y realmente mi inglés no era tan bueno, por todo eso, tuve que regresarme”.

Tras volver a su ciudad natal, It’s A Living decidió probar lo que hasta hoy es su estilo, el “lettering”, mejor conocido como las letras o la caligrafía, lo que él define como su verdadero comienzo. “Desde siempre me llamó la atención cómo la mayoría de nuestros padres o abuelos saben escribir en cursiva, lo veía en cartas, fotos… todo eso me llamaba la atención, pero nunca pensé en vivir de pintar letras”.

Desde ahí, durante un año y medio, decidió retomar el graffiti desde un punto aún más artístico sin perder el lado urbano, lo que lo llevó a plasmar sus diseños en cuadros, fotografías, ropa, así como en diversos productos, “cosas pequeñas pero que fueron lanzándome a otras hasta llegar a tener clientes internacionales”, mencionó.

Lo que terminó por definirlo como el artista mexicano que es hoy, fue la oportunidad de aplicar a un posgrado de tipografía en Nueva York, en donde ya con un currículum prometedor, logró ingresar. “Hubo un momento en el que fue muy duro, no tenía dinero para vivir ahí, pero al concluir ese estudio ya estaban ofreciéndome trabajo de agencia como diseñador, eso se debe en gran parte al trabajo constante y al apoyo de redes sociales. Conocí gente que ya había visto mi trabajo, empezaron a buscarme clientes chicos y grandes, fue como una bola de nieve que fue creciendo”.

IT’S A LIVING, SU FILOSOFÍA

Actualmente su frase representativa es fácil de ubicar y conectar con su nombre y estilo, pero su filosofía de vida es más que tres palabras. “Es algo ambigua y eso me gusta, su traducción en español es muy difícil, podría ser como un estilo o forma de vida, pero viene desde el 2011 cuando trabajaba en Canadá, quería ser diseñador, pero también quería ser libre, incluso tenía otra frase que también representaba esa ideología “repeat after me, i am free” (repite después de mí, soy libre), pero poco a poco se convirtió en lo que es. Cuando empecé a trabajar en lo que hago y que es considerado algo raro, solo decía que pinto letras y que es un “it’s a living”, porque así me gano la vida, haciendo lo que me gusta”.

NOTHING LASTS FOREVER

Ricardo González ha colaborado ya con importantes marcas a nivel nacional e internacional, en las que ha podido representar “It’s A Living” de cientos de formas. Algunas de ellas son: Apple, Armani Exchange, Nike, Mercedes Benz, Google, Microsoft, Pepsi, Facebook, Budweiser, HUF, Samsung, AirBnB, Bloomberg Business, Toyota, AirBnb, Lululemon, MTV, Yahoo!, Nissan, VH1, Coca Cola, Revlon, KRINK, Bing Bang Jewelry, Oprah Magazine, AIGA, Bowers & Wilkins, Harper Collins, New York Botanical Garden, Complex & Stussy.

Y aunque cada una de las participaciones son un increíble logro para el artista, hay un trabajo en específico que lo llena de orgullo de una manera inigualable, lo que considera como el más importante y el cual nombró “Nothing Lasts Forever”, una galería con 12 murales o piezas de gran tamaño que le tomó aproximadamente 3 meses de proceso, esfuerzo y trabajo, en las que se destaca esa ambigüedad de las palabras y su diálogo interno.

“Este trabajo quise hacerlo aquí en Durango, de hecho, es mi primer proyecto solo en México, en mi país, en realidad tenía planeado hacerlo para el 2024, pero todo fue acomodándose. Al presentarse la pandemia decidí regresarme para acá, un amigo me prestó el espacio, una bodega, y desde que lo vi imaginé como sería. Cuando lo terminé me decían que lo abriera al público, pero al final preferí que fuera una exposición más local e íntima y de un solo día, por ello el nombre de nada dura para siempre, terminar y borrar, es el proyecto más grande que he hecho y que me enorgullece haberlo creado en mi ciudad.” Enfatizó.

PROYECTOS A FUTURO

En cuanto a sus próximos trabajos o colaboraciones, mencionó que tiene algunos proyectos que se vieron detenidos o postergados por la situación epidemiológica. “Tengo algunas cosas que concluir, una de ellas es una colaboración en Chicago y otro trabajo enorme que ya lo llevarán más adelante, aunque me estoy tomando el tiempo, afortunadamente tengo mucho trabajo”, concluyó el artista.